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假期要开始了，很多学子都在为自己的前途奔波，今天小编也整理了很多关于上海人像素描教程信息，以及大家所关心的这些问题人像素描多少开纸，人物素描步骤图 上海MH画室，如何向大师学素描？，学好人像素描和钢笔画速写要多长时间？，想学素描人像但是找不到合适的学习教程？学这个课就对了！，想自学点简单的人像素描，看什么书或者食品好？教一点点简单技巧就好。，电脑人像素描初学者教学！谢谢！，职业修图师的建议｜人像修图基本工作流程??
开始可以用8开（376mm x 265mm）纸练习头像，然后就可以用4开（540mm x 380mm）的纸画半身像，全身用对开或正开都可以。 你现在用的纸张太小，只适合画画速写。人头的大小也就在8开纸以内，所以刚开始你按1比1的比例画是最好的，以后熟练了，想用多大纸就随你自己了。
上海画室-MH画室零基础绘画暑期7-8月集训！随到随学，按学生个人时间可做调节，学期内可以补课，因材施教量身定制课程进度！第一节课免费试听!上海MH画室官网：www.myhousekk.com比较中规中矩的步骤，适合初学者。一，先起形，稳稳的，找好比例和结构体面。 二，在已有的形的基础上，略施明暗，概括整体明暗系统。为了求稳可以先浅些。 三，适当加入灰面，但要简化。 七，老人额头和面部五官周围都会有许多皱纹，但要时刻记住皱纹只是依附在结构形体的转折之上的小起伏。皱纹的加入应该更加强化体积和质感，而不应该过于被强调而破坏了结构的体块。
几周前，上海人美的编辑要我在知乎上写一篇文章推广他们的新书。得知书名后，我决心免费为他们宣传。这是因为能在公开场合评价此书，对我而言都是一次挑战，也感谢人美编辑的信任。当我收起溢美之词，要对这版《向大师学绘画：素描基础》提出些建议，那只能说由于全书插图仍是黑白版，因此还不足以让读者真正地欣赏、理解这些西方古代大师的素描名作，但就成书的品相、印刷的精美程度看，仍不失为一本好书。并且朱岩先生的译文生动流畅，韵味十足，又娓娓道来，让阅读过程更填几分惬意。总而言之，我推荐所有正在学习或将要学习素描的朋友们都应研习此书中提出的诸多方法。与其他专注于教授国内应试素描技巧的书籍不同，这本书更重视素描学养的普及。作者罗伯特•贝弗利•黑尔用朴实无华的文字概括了自文艺复兴以来的派素描教学的核心手法，又通过层层递进的章节结构为我们铺就了一条通往素描大师的坦途。为避免行文深涩难懂，黑尔的著作并未涉及这种素描教学系统的背景讨论。因此，也能让我施展拳脚，为大家阐明藏在这本素描教材背后的核心理论，但又诚惶诚恐。素描教学的真正目的当我们回到16世纪中叶的弗洛伦萨，那时科西莫一世•美第奇出资建设了世界第一座美术：艺术绘画（Accademia del Disegno），而“Disegno”一词正是今天我们所说的“素描”。这座的建成是文艺复兴的又一座巅峰，标志着中世纪以来通过媒介分野的艺术门类第一次以一种更高的观念，即“素描”观念统一了起来，也埋下了现代主义终将以“为艺术而艺术”的誓言为艺术学科自立门户的理论种子。艺术绘画中年轻学者Disegno（素描）是拉丁语De ＋ Signum合成的一个术语，意为“用符号表达”，也就同语言一般。语言与技法的区别在于，语言是一种内化了的能力，它同我们移动四肢、消化食物一样无需经过理性或意识的助力，所以悄无声息也浑然天成。同理，素描训练的最终目的就是让艺术家获得这种能将想象中的画面落实于纸上的能力，但若我们的艺术家要同时处理想象与绘画技法层面的问题时，艺术作品就会显得拘谨刻板，失掉了韵律和节奏。因此，每一个初学者都必须认识到，素描技法本身并不是学习的目的，描摹自然也不是素描的目的，绘画与素描的真实目的只能是使用造型语言让我们的思想得以成真。莱昂•巴蒂斯塔•阿尔伯蒂（Leon Battista Alberti）在《论绘画》（De Pictura）中将艺术家训练过程分为三个阶段：幼儿阶段的技能准备（几何学、透视法和投影画法）；青年阶段的系统训练（更为精进的绘画方法和作坊工作流程）和出师后的自我磨练（艺术家的品德和职业操守）。从中我们看出素描教学应是一种技能准备，而不是艺术家真正的技能。另一方面，达芬奇曾确认素描教学的目的在于将脑中的设想变为真实。他在手稿中证明，素描语言比文字叙述一个物体的造型更为可靠明确，并且通过素描语言能创造许多不曾存在的事物。手稿笔记：“智慧的门徒，达芬奇用透视法绘制的形体／当我绘制这些形体时，我从未参考任何实物，这仅仅是用简单的线条画就的。”当我们认识清楚素描学习的真实意图后，我们也便寻到了素描教学的入口，同语言学习或运动训练一样，我们只有通过长期高频的素描训练，才能获得素描语言的肌肉记忆。没有捷径可走。从形体到体块，再到人体解剖黑尔在本书第1、4、5章分步介绍了形体、体块和人体解剖的学习重点。这三步学习过程反映在艺术史上，就是从中世纪末期到文艺复兴盛期写实主义绘画理论发展的三个阶段。维拉德•翁涅柯，《画谱》手稿之一 第一阶段发生在13世纪，代表作品是维拉德•翁涅柯（Villard de ）的《画谱》（Le carnet）。中世纪末期的艺术家通常将世间万物都概括成几种简单的几何图形，这一做法实际上确定了素描造型和几何学切分归纳之间的关系。而这种归纳法就是现代素描教学系统的基石。到了15-16世纪，这种人体造型的归纳法还曾运用在医学诊断上，作为面相学的一部分与当时流行的气质论一起，成为了文艺复兴时期病理学、尸检实验的核心理论。而在文艺创作中，达芬奇也通过这种形体归纳法总结出能够表现各类性格气质的人物绘画手法，在其杰作《最后的晚餐》中可见一斑。达芬奇，《最后的晚餐》局部在这组人物中，左边是叛徒犹大，中间是圣彼得，右边是圣约翰。性格内敛温润、无比谦卑的圣约翰，脸部造型被塑造得圆润精致，像是女性；英雄气质的圣彼得，曾言不配与耶稣受一样的刑罚而自愿倒钉十字架，则被达芬奇描绘成眉骨高耸、鼻梁挺拔的雄狮之相；反观个性自负，贪财的犹大，则画成了面部凹陷的样子。圣彼得和犹大的侧脸造型之间的强烈对比，也暗指两人性格的不同。阿尔伯蒂，人体比例学手稿第二阶段以莱昂•巴蒂斯塔•阿尔伯蒂倡导的人体测量学和人体比例学为开端：先将人体划分为不同的体块，再切分为更细小的部分，从而建立了人体比例系统。原来的形体现在能通过比例组合成和谐完美的图像。对体块比例和谐的要求，后来还运用在建筑领域。佛朗切斯科•迪•乔尔乔•马尔蒂尼（Francesco di Giorgio Martini）就重拾了维特鲁威的理论，将建筑构件与人体比例联系起来。但马尔蒂尼没有解决《维特鲁威人》的谜题，这一任务最终由达芬奇完成。马尔蒂尼，建筑与人体比例；《维特鲁威人》第三阶段是达芬奇在艺术领域强力推广艺用解剖学。并且这种解剖学不是死板的、完全符合现实人体的解剖学绘画法。在处理《维特鲁威人》问题时，达芬奇先画下固定的、共用的体块（头部和躯干），再依人体比例绘出两个完美的几何形，然后结合解剖学和体块比例的知识，一步步塑造出剩余的人体动态造型。达芬奇，《维特鲁威人》在达芬奇作品中，形体、体块和解剖学知识汇流在一起。形体被用于画面象征和人物性格的塑造；体块与比例则帮助艺术家构建出和谐完满的图像；解剖学则使得艺术家有能力表现出足以让人信服甚至使人迷惑的作品。借助文艺复兴历代大师的不懈努力，最终解决了写实主义绘画在技术层面的所有问题。而从达芬奇解剖学插图对后世艺术家的深刻影响来看，文艺复兴末期的杰出艺术家还为我们定义了素描教学中的一种核心方法。作为语言范式的素描作品黑尔的这本《向大师学绘画》所介绍的核心方法是通过观察、研究历代绘画大师的作品、手稿进行素描训练。这种训练方法事实上有别于传统意义上的“临摹”，而是一种继承自文艺复兴中期的教学模式。如黑尔在序言中所说，这种方法能“让你有机会学到大师们对于这些技术难题令人叫绝的解决方案”。与师法自然的写生训练不同，这里的临摹与研习历代大师作品的训练方法其实是叫素描学习者学习对具体技术问题的解决方案，同时大师作品在一定意义上等同于一种语言范式。波拉伊奥罗，《裸体大战》（版画复制品） 将人体素描造型固定为语言范式的做法，最晚也能追溯到文艺复兴中期。意大利金匠波拉伊奥罗（Pollaiolo）曾绘制过大量造型各异的裸体人像线稿，后来还完成了巨幅素描《裸体大战》（Battaglia dei dieci Uomini Nudi）。而这幅素描的创作初衷就是教人如何绘制战斗过程中的人物姿态：分别为迎战、对峙、扭打、刺杀四个场景。画面中心的两人对峙其实是同一人体动态造型从正面、背面两个视角的看过去的样子。在米开朗基罗为《卡西纳之战》（Battaglia di Cascina）绘制的素描草图中，我们也能发现《裸体大战》中央人物的造型模式，这就是通过“临摹”大师作品研习素描技巧的例证。更明显的例子是彭多勒莫（Pontormo）对达芬奇《圣杰罗姆》（San Gerolamo）的临摹，就连画面尺寸都一摸一样，唯一不同的是，后者似乎“剥去了”圣人的皮肤，从而凸显肌肉的转折效果。米开朗基罗，《卡西纳之战》素描练习达芬奇与彭多勒莫的《圣杰罗姆》，对比图根据瓦萨里在《艺苑名人传》（Le Vite）中的记载，诸如马萨乔（Massaccio）的壁画作品就曾受到大量杰出艺术家的临摹与学习，同时也影响了这些艺术家的创作。而在达芬奇、米开朗基罗时代，这种通过临摹大师学习绘画或雕塑的方法尤盛。雕塑家本韦努托•切利尼（Benvenuto Cellini）在他的自传中称，16世纪的佛罗伦萨净是米开朗基罗和达芬奇式的雕塑，他讽刺那些雕塑是用装满长南瓜的麻袋堆砌出来的。其实就米开朗基罗自己的雕塑而言，这种夸张的裸体表现手法并不明显，主要出自他的绘画作品，而同时代的雕塑家又或许从这些绘画中汲取养分，塑造了那些雕塑。比如巴蒂内里（）的雕塑《赫拉克勒斯（大力神）与卡库斯》，这件雕塑在人物脸部造型上又形似达芬奇《最后的晚餐》中的圣彼得和犹大。巴蒂内里，《赫拉克勒斯（大力神）与卡库斯》总而言之，通过研习大师素描的学习方法是历代艺术家的基本功课之一。这种研习并非只是单纯的临摹素描图像，而是带着切实具体的问题，从古代大师作品中寻找解决方案的一个过程。对于今天的中国素描教学而言，我们或许正缺乏这种训练手法。另外，如黑尔所言，艺术史学习同样也应贯彻始终。任何一部教材都无法收尽历史上所有的艺术杰作，只有通过今天的艺术家孜孜不倦地发掘、研究，才得以让古代艺术尽可能地施惠于今。艺术史是由单个艺术作品组成的历史，因此也极易使人遗忘，但不管怎样，我们都应回顾、继承、发扬并重建创新出新的艺术瑰宝。素描学习的核心方法素描学习过程中最尽职的教师不是某个具体的人，而是自然和杰作。也就是说，我们要在自然中观察、磨练自己的技艺。但我们总会在写生训练中发现难以跨越的问题，因此我们还需向古代大师学习，带着疑问去研读他们的作品。也只有两者并重，我们才能真正地学会素描，并将素描技术变成艺术家通用的语言，顺其自然地将我们脑中所想化为现实。最后再次引用黑尔的话：“必须清楚认识到的是素描绘画并无捷径可走，只有练习，只有坚持不懈的实践才是唯一途径”。-------推荐的分割线-------购买渠道这本书已经在Amazon和当当开售了未来还会推出本套书的第2、3卷《向大师学绘画：素描基础》书页与封面：
人像素描和钢笔速写学好两者时间不一样的，因为人像素描需要打好素描功底，在有基础素描的基础上在去学人像素描的话，如果是每天坚持画6个小时大概需要两个月，而钢笔速写是属于速写类的，这个也需要每天坚持练习，时间会少点一个月就差不多了。
在艾艺在线的直播课里面，很多同学都提出了想学习素描人像的画法，一般同学都会觉得素描人像很难画，怎么去表达人物的神态，怎么运用线条，怎么把握明暗关系等等，今天，艾艺在线就以一幅素描人像为例给大家介绍下一幅完整的素描人像从基础起形到完成是怎么创作出来的。1、第一步，确定头的大小，长宽比例①画面捕捉，感受画面特征，②人物特征分析（下庭大，眉弓一个往下降一个往上抬）③头颈肩的关系④关注模特基础黑白灰关系起形（木炭条）第一步①确定头的大小，长宽比例②耳朵，脖子，下巴，衣领的位置③拉线要拉长线第二步①画头发，耳朵基础位置（最好眯起眼睛画）②把每个形状稍微具象③每一步都保证画面是整体④注意用线轻重变化第三步①找背受光，找光源下明暗交界线的位置②找出暗部，暗部形状完整统一③画暗部笔锋侧一点④补充耳朵的位置⑤找出背光里面更暗的位置第四步①五官的透视，从额头到眉毛到眼睛（眼睛在二分之一偏上），鼻梁，嘴巴，下巴②确定五官大致位置，五官大形，不具象化第五步①把卡点位置具象化，每个形状转折交代清楚②确保画面清晰度鼻子画法①统一暗部形状②黑白对比强的强调鼻孔位置③把鼻子的形和颜色维和起来④可以适当用手揉⑤把暗部形状连贯起来眼睛画法①画眼睛的形②确定眉弓的形状③把握颜色轻重，确保颜色的统一④注意线条柔和脸部画法①脸部穿插②脸部边线控制轻重③注意嘴角和眼睛的关系④画面整体关系⑤找准下巴的形状⑥耳朵上方颜色更重整体画法①确保每个色块的颜色形状清楚②边缘不粗糙其他部份可粗糙点③用密线铺画面④找到脖子的柱体关系⑤压住重色⑥画得不好看不好的可以揉两下再补两笔
买一些有关的书，还有结构素描。至于要吃的食物嘛…………随便啦……我当初学的时候就这样喽，不必太在意，再说 不看也可以画的跟不错呦…………只要努力就好啦！
素描的话painter比较适合你 仿天然笔刷做的很棒 也不用怎么设置 ps之流你可能还需要设置一番才能达到好的效果至于教学 你直接搜素描教程就好了 素描这玩意是基础 没有什么电脑上 什么的去边 纸上手写板上都是一样画 不如说 手绘好 版绘会事半功倍！我姑且算是会画点画有不懂的可以单独hi我
更新：没想到短短时间竟然获得这么多赞，实在是又惊喜又惭愧。现在决定把这个示例的psd源文件拿出来分享给大家，还望大家多多指点。大家只需要扫描下面公众号的二维码，关注之后在后台输入:psd即可获得下载链接。再次感谢！－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－大家好，我是李汀，一名职业修图师，目前在上海一家英国的后期制作公司做修图工作，平时工作比较忙碌，主要为各个品牌完成他们广告拍摄之后的图片后期处理。在这之前做过好几年的摄影师，还做过英语老师。今天要这里跟大家分享一个关于修图工作流程的心得。如果大家对修图有兴趣，想提高修图技能，也欢迎你关注我的微信公众号：RLab修图实验室（二维码如下），关注后会有定期的修图直播预告，我的在线课程的报名等等。 (二维码自动识别)－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－练武之人讲究一招一式，足球篮球等等运动讲究战术纪律，绘画创作讲究手法运用，等等等等。你会发现，不管做什么事情，想要更进一步，你都得服从一个贯穿始终的“基本纪律”。这个“基本纪律”，放到我们的修图工作中的话，被称作工作流程。回想十几年前，刚开始学习用ps修图，大量的时间花在了各个论坛网站上，寻找那些看起来很炫酷的修图技巧。比如什么“三步打造金属质感皮肤”，“五分钟教会你如何调出阿宝色”，等等等等。每个技巧我都会找出照片来练习，可是时间久了，发现一个问题：尽管掌握了不少的修图技巧，可是在每次拿到一张图片之后，还是没有一个清晰的思路，不知道该如何下手，总是走一步算一步。再后来，接触到了一些国外的系统修图教程之后，我才意识到，学习那些具体的小技巧并不是最重要的，而掌握最基本的修图流程才是首要的事情。它就像一棵大树的枝干，只有它扎实了，那些附着在上的叶子才能茂密生长。修图的门类不少，有风景修图，人像修图，创意合成修图，等等。每一种不同的修图门类因为主体，目标等等的不同，它所对应的工作流程也会有所变化，而一篇文章的篇幅又有限，所以今天想跟大家分享下我自己在做最基本的人像修图时候的工作流程，权当抛砖引玉，让你有一个清晰的参考，从而可以找到最适合自己的修图流程。ps:本文只做修图流程介绍，具体的操作细节由于篇幅有限就不做具体介绍，以后有机会再另外拿出来单讲。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－在开始修图之前有一个好的文件归类习惯是很重要的。每一个修图项目我一般在编完工作号之后，会分这么七个文件夹，虽然不一定每一个都会用到，可是这样让我可以有一个清晰的文件保存的架构。具体介绍一下：用来存放客户的修图要求，参考图以及修改意见，会按照日期来细分不同的文件夹。可以清晰的看到客户的要求以及每次的修改意见。原图文件夹，用来保存原图。Capture One文件夹。如果原图是raw的话，我会在里面新建Capture One的目录文件，目录会以工作号来命名。修图工作文件夹，也就是psd或者psb文件的存放地点，所有的辛劳成果都在这里。素材文件夹。如果有一些需要添加素材的，会把素材放在里面。发送纪录文件夹。里面以不同日期再做划分，每次需要发送图片给客户时，就将对应的jpg保存在里面。最终稿文件夹。用来保存最后需要使用的最终文件，一般会分成tiff以及jpg,有时客户还会需要cmyk以及rgb不同的版本，具体要看客户要求。在动笔之前，先研究一下原图。把原图打开，放到100%比例先看一下，先在心中有个大概的想法，看具体的地方需要如何去做修图调整。如果有效果参考图，也可以一起打开看一下，心中要有一个大概的构思，如果去展开接下来的修图工作。开始修图第一步：Capture One冲图。如果是一个正式的工作项目，我尽量不在Capture One里面做调色，尽量让图片以最中性的色彩效果冲出，原因很简单：你不知道客户在后期会提出什么样的修改意见。如果你以一个很暖的色调冲出原片，而客户后面想修改成冷色，那这个时候就会很难办。所以冲出中性色调，然后在ps里面做调色，你就会拥有很大的回旋空间，可以很方便的做出各种修改和调整。我总是在冲图的时候把锐化数值设置为0，因为锐化是会改变图片质量的，所以记得锐化永远放在最后一步操作。关于曝光，合理使用hdr设置，尽量让图片拥有最多的细节，如果有些地方实在是太亮或者太暗，可以做出不同的曝光设置冲出几场不同的原图，然后一起导入到ps里面，使用蒙板刷出不同的区域即可。第二步：搭建基本图层结构，开始基本修图操作。具体介绍一下：最上面的’crop’图层是一个带蒙板的’色彩填充’图层。顾名思义，是裁切的意思，你用蒙板把想要裁掉的区域遮住，最后出图的时候选择’图像’－’裁切’，ps就会自动帮你裁切好。有朋友会问：为什么不直接用裁切工具先把图片裁切了呢？还是那句话，你不知道客户最后的修改意见是什么，万一他最后想要整张图片呢？所以我们一定要保留所有的像素。下面一个是’help’图层组，里面各种曲线其实都是观察层，方便以后你在修图的过程中观察明暗细节。‘Retouch’图层组就是嘴基本的修图图层了，我一般使用这三个图层开始最基本的修图操作： 1，最下面的’clean’是基本清脏图层，任何可以使用仿制图章工具或者修复画笔工具修整的地方，都可以在这个图层中进行操作。比如头发的瑕疵，皮肤明显的瑕疵，等等等。 2，中间的’D&B’是一个透明的图层，但是图层混合模式为’柔光’。这也是我们常听说的’中性灰’图层，只不过我一般不会去填充50%的灰，因为效果相同，我一般习惯保留最小的文件数据大小。在这个图层上面可以做’加深减淡’操作，来对皮肤或者其他地方做细致的处理，这个过程中可以合理搭配使用观察图层。 3，最上面的’color’图层就是一个空白图层，混层混合模式为’色彩’，如果在修图过程中发现局部色彩不对（尤其是做’加深简单’操作的时候，常常皮肤的色彩会发生改变），可以在这个图层上用笔刷画出想要的颜色，它会只改变图片的色彩而不会影响到质感或者明暗。第三步：合并基本修图图层，进行’高低频’操作。（如果需要的话）在基本的修图操作完成后，复制出’Retouch’图层组以及原图（original），进行合并，命名为’Baisc retouch’，在这个图层基础上搭建’高低频’图层结构，进行’高低频（S/F）’操作。我一般用’高低频’来处理那些用基本的修图方法解决不了的地方，比如前额的碎发，衣服的褶皱等等。这个工具在处理这些棘手的问题时特别有效，而那些基本的皮肤处理不建议使用，因为你很容易使用过度，出现那种很假的皮肤质感。第四步：调整局部效果(眼睛，嘴唇，等等)。这个时候，你应该已经得到一个不错的效果了:在这个基础上可以对一些局部再做进一步的处理，比如平衡双眼的亮度，提升眼神光，增强嘴唇质感，增强头发质感等等。第五步：调整局部明暗以及肤色统一。在这一步会使用到一些不同的曲线层，可以用’双曲线’来给整体人物增强光影，还有很重要的就是用不同的曲线层来统一肤色，因为人的肤色往往在不同的部位有不同的颜色。第六部：整体调色。关于调色，仁者见仁智者见智，每个人都有不同的调色方法，想要提高自己的调色水准，需要大量的练习以及平时审美的提升。第七部：液化以及锐化。把所有的图层复制出来以及合并，得到的图层命名为：Liquify&Sharpen。 首先做液化，调整人物五官或者其他。最后锐化，我一般使用最基本的usm锐化，数值试图片像素大小而定，没有标准数值，你可以自己拿捏。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－最终效果对比：－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－这七步是我在做基本人像修图时最常用的工作流程。然而这并不是一篇教程。不管是摄影，修图，或者是其他门类的艺术创作中，从一个效果到另一个效果往往有各种各样的方法。今天，我只是和大家分享了自己的方法流程，可它并不是绝对的标准。不管你是摄影师或是修图师，如果要成为一个擅长修图的人，需要做的是大量的练习，在这个漫长过程中，多看加多想，你会慢慢找到那套最适合自己的工作流程。ps:关于图层命名为何使用英文，是因为实在不想在中英文输入切换上浪费额外的时间，所以一般我的图层都是直接用英文命名，比较省事。－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－如果你认可我分享的内容，点赞和分享是对我最大的回馈和鼓励。（微笑脸.jpg）
以上都是我为大家细心准备参考的，希望对你们有所帮助。
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